Friday, 30 August 2013

Gangster Squad


Argumento
La acción transcurre en Los Ángeles, años 40. Las calles están llenas de violencia, orquestada por un capo de Chicago llamado Mickey Cohen. Los ciudadanos, temerosos, se niegan a testificar y los policías están comprados. Por eso, cuando el jefe de policía Parker propone reclutar a un grupo de hombres de élite para luchar directamente contra Cohen, el policía John O'Mara parece tener más cerca su objetivo. Algo que disgusta a su esposa embarazada, quien le ruega encarecidamente que no lo haga.

Crítica
Un oficial de policía frustrado en su intento por encarcelar a un cruel capo que gobierna la ciudad a través de la violencia y el miedo; una brigada de élite reclutada para luchar y dispuesta a saltarse la ley para acabar con la mafia. Podría estar hablando de Los intocables de Elliot Ness, de Brian de Palma, pero no, hablo de Gangster Squad, de Ruben Fleischer, una historia muy parecida (me atrevería a decir idéntica…).

Sean Penn es Mickey Cohen, un gánster que existió realmente y que cometió actos atroces en Los Ángeles a finales de los años 40. Penn interpreta con fuerza su personaje, pero no acaba de transmitir debido, en parte, a una caracterización exagerada que le confiere un aspecto, en ocasiones, caricaturesco.


El agente John O’Mara (Josh Brolin), a petición del jefe de policía Parker (Nick Nolte) se encarga de reclutar a un variopinto grupo de ejecutores entre los que se encuentra un policía honesto (Anthony Mackie), un legendario agente (Robert Patrick) y su fiel compañero (Michael Peña) y un hombre de familia (Giovanni Ribisi).

Jerry Wooters (Ryan Gosling) es un amigo de O’Mara que no tiene ningún interés en la cruzada y prefiere centrarse en el juego y las mujeres hasta que, finalmente, decide unirse a la lucha contra Cohen y sus secuaces.

Gangster Squad teje una historia sobre el bien y el mal; el deber y la ambición. Bellamente ambientada, la película ofrece escenas de acción, ejecuciones, tiroteos y peleas muy bien organizadas y cuenta con algunos gags de humor, entregados sin esfuerzo por Gosling y compañía.

El mayor problema de esta película es una subtrama romántica entre Wooters y una de las damas de Cohen (Emma Stone) que se percibe forzada, aburrida, y sin la química compartida por ambos actores en Crazy, Stupid, Love.

Gangster Squad es una película para ver sin demasiadas expectativas, que fluye con ritmo desde las primeras escenas y que ofrece entretenimiento sin complicaciones.


Lo mejor: escenas emocionantes, suspense y violencia sangrienta. Diálogos divertidos. Josh Brolin y Michael Peña.

Lo peor: Algunas escenas son muy oscuras. Emma Stone no acaba de encajar.

Valoración: 7,5/10

Amelia Cobos

Trailer Gangster Squad

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Summer Wars



¿Que pasaría si nuestro mundo estuviera totalmente integrado en una realidad virtual y este colapsara de golpe a raíz de una I.A. con malas intenciones?

Esta es la base sobre la que se asienta el retorno de la dupla Hosoda/Sadamoto en esta película de animación tradicional estrenada en el año 2009 y que nos llega ahora de manos de Selecta Vision tras su paso por Sitges y el SyFy de Madrid.

Una vez más Hosoda vuelve a contar con el estudio MadHouse tras la animación y con los diseños de Yoshiyuki Sadamoto tras el éxito conseguido con “La chica que saltaba a través del tiempo” (2006) y que repitiera con “Wolf´s Children” (2012), para ofrecernos una historia costumbrista con ciertas pinceladas fantásticas como viene siendo habitual en su filmografía.

El protagonista de la historia es Kenji , un estudiante que durante sus vacaciones de verano trabaja como técnico de mantenimiento de OZ, una especia de universo virtual donde todo el mundo cuenta con su avatar y en el que se sustentan todos los servicios del planeta, ya sea desde el control del tráfico, hasta la posibilidad de comprar el pan. Todo esto cambiará cuando Kenji es invitado por la chica más popular del instituto, Natsumi, a pasar las vacaciones junto a ella y su familia. Una vez allí descubre que a sido engañado por ella para hacerse pasar por su novio debido a una promesa que realizó a su abuela, heredera de un importante clan samurai, durante la organización de su noventa cumpleaños.



Durante la primera noche en Kenji recibe un extraño mensaje en su móvil con un enigma que le llevara a descifrar la seguridad de Oz de manera accidental y haciendo que una I.A. Militar se haga con el control del mundo virtual, robando las cuentas de millones de usuarios y creando el caos en el mundo real. Ahora Kenji tiene que intentar devolver la normalidad a Oz antes de que la I.A. haga caer un satélite encima de una central nuclear y a su vez lidiar con la familia de Natsumi para mantener la mentira y demostrar su inocencia.

Selecta nos vuelve a traer una edición excelente como nos tiene acostumbrados en sus últimos lanzamientos, incluyendo un libreto con diseños y entrevistas en su pack BluRay + DVD. Como detalle a resaltar el audio español es el ofrecido por Kaze hace un par de años para la edición francesa. Cosa que es de agradecer al no ser las habituales voces que solemos escuchar en los doblajes de la  distribuidora Española, aunque recomiendo fervientemente su visionado en versión original debido a la enorme calidad de su doblaje original.

Una película para todos los amantes del cine de animación que nos demuestra una vez más que Japón tiene una generación de directores por delante muy prometedora y que no solo de Ghibli vive su cine de animación.

Gonzalo “Shinterry” Bielsa

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Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas



Argumento
Tras los acontecimientos que nos cuenta la historia de los hermanos Grimm, Hansel y Gretel (Jeremy Renner y Gemma Arterton) crecen para convertirse en famosos mercenarios cazadores de brujas, siendo contratados por el alcalde de una ciudad donde los niños están siendo secuestrados por una malvada bruja (Famke Janssen). Los dos hermanos demostrarán que se han convertido en auténticos justicieros y que están dispuestos a todo para vengarse.

Crítica
Hansel y Gretel: Cazadores de brujas es la clase de título que puede hacer de una película un producto fácilmente vendible y un éxito de taquilla. Sin embargo, eso no consigue que una película sea digna de ver, es más, el título es lo más creativo que Tommy Wirkola nos ha brindado en esta película.

¿Qué es lo que hace que una película como Hansel y Gretel: Cazadores de brujas, que en principio tiene todos los ingredientes necesarios para sorprendernos, llegue a ser tan decepcionante? Pues que no basta una buena idea si esta no está respaldada por un contenido de calidad. Ocurre que, de igual manera que la casa de caramelo resulta atractiva por fuera para los niños siendo un lugar horrible por dentro, el título de Wirkola atrae a los adultos con un reclamo fresco y estimulante, para finalmente deleitarnos con una violenta e inconsistente versión de Hansel y Gretel.


Que Hansel sea diabético me parece de lo más ingenioso y de lo poco que se salva de un guión, por lo demás, estéril. La película es un desmadre de 3D —de postproducción— repleta de peleas en oscuros bosques, mostrando una sorprendente cantidad de cabezas aplastadas y de carne de bruja volando en pedazos.

Afortunadamente, Hansel y Gretel: Cazadores de brujas es un producto para divertir y cumple el objetivo, quedándose en la superficie de la historia y los personajes. Como en toda película comercial hay un romance al que, en mi opinión, se le podía haber sacado mucho más jugo.

Si buscas que te sorprendan, mejor léete el cuento original, pero si te gustan las historias ligeras y el gore (blanco) disfrutarás de esta película.

Lo mejor: La ambientación y el Ogro Edward.

Lo peor: Un guión poco imaginativo y un Jeremy Renner insustancial.

Valoración: 4/10

Amelia Cobos

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La Jungla: Un buen día para morir


John McClane es uno de los personajes icónicos del cine de acción. Jungla de cristal (1986) es una obra maestra incuestionable del género que consiguió reformularlo y sentó las bases para futuras producciones (ej. Speed y demás imitaciones). Dio pie además a cuatro nuevas secuelas, de las cuales las dos primeras conservaban la esencia de la original (en especial la tercera parte, gracias a que ésta contó de nuevo con el director de la original, el controvertido y polémico John Mctiernan). Otro cantar es la cuarta parte, una pura bazofia que ya no conservaba nada del espíritu gamberro y socarrón del personaje interpretado por Bruce Willis, y que adolecía demasiado de la sensación de que todos los responsables estaban pensando “Toma el dinero y corre” (y es que para más inri hasta salía en un papel el director Kevin Smith  para acabar de arreglarlo).

Y como no hay cuatro sin cinco (o eso por lo menos es lo que piensan en Hollywood), pues aquí tenemos la quinta parte: La jungla-Un buen día para morir (juego de palabras con el título original “A good day to Die Hard”).


La historia no es muy complicada de resumir. John McClane esta vez debe formar tándem heroico en Rusia con su hijo, que a su vez es un espía de la CIA, con el fin de proteger a un testigo muy importante que debe declarar en un juicio en el que está en juego la seguridad ya no nacional (americana, vaya) sino mundial.

Para ser sinceros hay que reconocer que el film, sin ser “El padrino”, se deja ver. El director John Moore (especialista en el género con títulos como “Tras la línea enemiga” o “Max Payne”) tiene el suficiente oficio como para no darnos un momento de respiro y conseguir lo que se pretende con una cinta de estas características: entretener.

La película arranca con una larga secuencia (casi 15 minutos) de persecución por las calles de Moscú, con un nivel de destrozo tan importante que consigue dejar la escena final de “The Blues Brothers” en un remake de “Siete novias para siete hermanos”. Willis nos regala alguna de sus frases ingeniosas (aunque ya con cuentagotas) para amenizar la función y como (casi) siempre en la saga, el plantel de villanos cumple en su empeño de intentar fastidiar a nuestro policía de Nueva York favorito (aunque es cierto que se echa de menos a grandes villanos de la talla de Jeremy Irons o Alan Rickman).


Lo mejor sin duda, es que John Moore tiene poco de Ridley Scott (para lo bueno y lo malo) y nos regala unos ajustados 95 minutos de duración, lo cual hoy en día es muy de agradecer.

Por cierto, y sin que sea muy habitual, el título español Jungla de cristal es infinitamente más ocurrente y potente que el original (algo así como “Duro de matar”).

Chema Ponce

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Wednesday, 28 August 2013

El Atlas de las nubes



Hace poco cayó en mis manos esta película. Poco sabía de ella (algún anuncio en la televisión recordaba haber visto pero poco más) pero, comentando con un grupo de amigos sobre las últimas películas que habíamos visto, me recomendaron verla y me lancé a ello.

Lo primero que me llamó la atención al empezar  a investigar es que la película fuese dirigida por los hermanos Wachowsky (uno de ellos cambió de sexo hace unos años: Larry ahora es Lana) junto a Tom Tykwer (El perfume). Con eso ya me tenían parte ganada ya que me robaron el corazón con la trilogía de Matrix.

Pero vamos a lo que interesa. ¿Qué te vas a encontrar cuando comiences a ver la película?. Al principio, es bastante desconcertante. Son trozos de pequeñas historias que se van desarrollando de manera aleatoria, cada una en una época distinta (1850, 1933, 1972, 2012, 2130 y 2300).  Casi durante la primera hora, no sabes lo que realmente estás viendo y puede llegar a agobiar un poco, pero una vez pasada esa franja de tedio te engancha de una manera soberbia.


Cada una de las historias que se plantean son totalmente diferentes. Desde una pareja de enamorados antes de que empiece la segunda guerra mundial, una compañía que crea humanos como mano de obra, una historia de un abogado y un esclavo, conspiraciones de compañías dedicadas al petróleo, un futuro post-apocalíptico y la historia de un anciano en una residencia. Probablemente muchos pensaréis en cómo se entremezclarán esas historias (como ya ha pasado en la trilogía de Alejando Gonzales Iñárritu, Amores perros-21 gramos-Babel) pero lo que impacta realmente es el detalle de cómo está todo contado.

En las tres horas de película, disfrutaremos de una fotografía alucinante, muy buenos efectos especiales, una banda sonora excepcional y diálogos que rozan lo ético y lo metafísico. Momentos de soltar la lágrima y la carcajada y momentos de pensar se desarrollan a lo largo del film. Toda acción tiene una repercusión, ya sea en el pasado, en el presente o futuro. Todo está conectado.


El atlas de las nubes es una película pretenciosa pero que se queda en un quiero y, por muy poco, no puedo. No sé si es por la estructura de la película, por la duración de la misma o porque no sea una adaptación fiel al libro de David Mitchell (el cual no he tenido el placer de leer).

Lo más curioso de la película es que actores como Tom Hanks, Halle Berry, Hugh Grant o Susan Sarandon hacen hasta seis papeles diferentes. La gran labor de maquillaje hace muchas veces que no los reconozcamos a la primera de cambio.

Personalmente, creo que es una buena película con unos efectos especiales y una fotografía de 10 pero que quizás peca un poco en lo confusa que puede ser al mezclar tantas historias, lo cual genera una sensación de caos (sobre todo al principio). Quizás si se hubiese contado de otra manera, tendría más seguidores pero probablemente en eso radica la belleza del film y no sería lo mismo.

Nota: 8,5
Lo mejor: La fotografía.
Lo peor: La sensación de caos que da al mezclar tanta historia.

Manuel Valero.

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Friday, 23 August 2013

El Hombre de los Puños de Hierro


Había llegado a mis oídos que El hombre de los puños de hierro era un bodrio de armas tomar.
Yo no hacía más que preguntarme si me hablaban de ella como película al uso, o que realmente era una mala mala película. Porque, al menos yo, tras una producción guionizada por Eli Roth, producida por Tarantino, con Rap y chinos (No ofense, la película sucede en china) dándose de leches durante hora y media no me espero otra cosa que un muy sincero homenaje a la serie B de artes marciales que todos hemos visto alguna vez.

Con más ganas que temor me aventuré a verla, y para mi ¿sorpresa? me encontré con justamente eso: un sincero homenaje a la serie V de artes marciales. Es más, un sincero homenaje con un sentido del humor desbordante, momentos realmente gores para la sala comercial y a Russell Crowe y Lucy Liu interpretando unos papeles tan idos de madre que sorprende que (especialmente el primero) hayan aceptado. ¡Y lo bien que se lo pasan!

Total: que esta vez me va a tocar darles las gracias al hype. O al anti-hype en este caso, pues la vi con tanto temor a que no fuese lo esperado, que en cuando descubrí que sí lo era, y encima en esteroides la disfruté como un enano. De carcajada y aplauso en muchas secuencias.


Cierto es que para nada es una película perfecta. De hecho tiene algún que otro fallo gordo, incluso considerando que su espíritu se basa en los fallos de credibilidad. Lo que más  ejemplifica esto que digo es su torpe montaje. De hecho es una película torpe en muchos sentidos (pese a su torpeza sabe abrirse camino, ojo), pero el montaje huele a amateurismo en algún que otro momento, puntual. No nos olvidemos que se trata de la opera prima del rapero RZA, quien además protagoniza la cinta. Que esto no nos sirva de excusa para perdonar errores, pero sí es cierto que un poco los diluye o disimula. Sea como sea nadie ha venido aquí a ver nada parecido a una obra maestra.

Lo que realmente me supo mal, y entendí tu estrategia Eli Roth, es esa bajada de ritmo previa al tercer acto. Como truco de guión puede funcionar. Pero no si contamos con una película en la que la trama emocional no consigue del todo emocionar. El tramo final funcionaba bien por sí mismo, no hacía falta que tratase nadie de engrandecerlo añadiéndonos secuencias que traten de ser más denso de lo que es antes de ello. Lo convierte en el único tramo aburrido de la película. Suerte que el clímax que le sigue lo vale.

A nivel de personajes, éstos son tan poco profundos como deseamos que sean. Pura fachada de matón de instituto en su mayoría. Muy agradecido ello, pues los hace extremadamente divertidos. Hacen grandiosa la fiesta. Resulta curioso cómo es RZA el más contenido e incluso más (en exceso) trabajado siendo el protagonista. Eso hace que empatizemos mucho más con los secundarios, que no por serlo quedan en segundo plano.


Mención especial a Crowe y Liu. Estando más acostumbrados a ver a esta última en papeles así de locos nos llama igual la atención su personaje de madamme de burdel con abanico de cuchillas. Espectacular.
El que sí sorprende es Rusell Crowe. Su simple presencia en un proyecto de esta calaña y calibre ya rompe esquemas. “My name is Mr. Knife, but you can call me Jack” dice a pocos minutos de entrar en escena. Ya nos queda claro que nunca hemos visto a Mr Crowe tan desfasado y extremado como en este caso. Un regalo para fans.

Total, que al final la película terminó siendo una maravillosa mala película con elementos tan grandes en ella que uno no puede evitar inclinar la cabeza a un lado. Lo esperado en un principio. Lo que más me sorprende es que alguien esperase otra cosa.

Lo mejor: lo descarada, gore y a su vez honesta que es.  Jack Knife.
Lo peor: un bajón de ritmo puntal en su tramo final.

Nota: 7/10

Titus Bellés

Thursday, 22 August 2013

Metro Last Light


4A Games ha querido que volvamos a las vías del metro de Moscú con una nueva entrega llamada METRO LAST LIGHT.
 
A pesar de que Metro Last Light es la continuación de METRO 2033 no es complicado hacerse con el hilo de la historia si no has jugado a la primera parte. Es cierto que al principio del juego muchos de los personajes hacen referencia a la primera parte de la historia, pero conforme avanzas en los primeros niveles del juego vas cogiendo el hilo de la historia y no echarás de menos no haber jugado a la primera parte.

Lo mejor de este juego es su increíble historia, que hace que te metas en ella y en tu pantalla como si estuvieras leyendo un libro apasionante; esto sumado al Survival horror implícito durante todo el juego nos puede jugar alguna mala pasada en forma de susto. Es un FPS o shooter en primera persona que podrás encontrar para las plataformas de XBOX 360, PS3 Y PC.

La historia nos lleva a la Rusia del futuro, concretamente a Moscú, una ciudad destruida tras una tercera guerra mundial nuclear, que hace que los ciudadanos tengan que irse a vivir a las vías del metro en busca de refugio nuclear. En estas vías se han creado pequeñas comunidades con distintos ideales políticos todos radicales, mientras ARTYOM pertenece a “los rangers”, un grupo neutral. 

  
Comunistas, nazis y capitalistas son los tres grupos radicales que predominan en los túneles oscuros y siniestros del juego, aunque también nos tocará luchar con monstruos, tanto en la superficie como en los túneles. En el 95% de los casos será casi imposible de evadirte de los ataques de los mosntruos, por eso es aquí donde tienes que sacar tus armas para derrotarlos, de lo contrario acabarás siendo devorado por ellos.

 A la hora de enfrentarse a los humanos todo puede ser mucho mas fácil, o no, según lo mires. Puedes elegir entre ser sigiloso o acabar con todos lo que se interpongan en tu camino, tú eliges, eso sí tienes que tener en cuenta que cuanto más difícil pongas el nivel del juego, menos munición vas a encontrarte a lo largo de la historia.

Además de enfrentarmientos con monstruos y humanos nos encontramos con el por qué de la historia. “Los oscuros”, una extraña forma de vida que germinó en la superficie tras las bombas radiactivas, que los humanos trataran de destruir aunque parece ser que ellos tienen las respuestas a todos los problemas. 


Metro last light es un juego que, a parte de estar diseñado por y para una historia, sabe jugar con tu mente, como comenté al principio el juego se encuentra enclavado dentro del survival horror, y es que Artyom es un hombre con una mente algo atormentada pues durante las 12/13 horas de juego tendrá recuerdos y/o alucinaciones que aparecerán en cualquier momento y que pueden ser bastante espeluznantes. Durante el recorrido de los túneles, edificios abandonados... te encontraras con escenas que te harán plantearte si de verdad estás solo en casa o si hay alguien más; eso es survival horror.

En referencia a los gráficos, han sabido ambientar con todo lujo de detalles la decadencia de las vías del metro y los distintos escenarios que te encuentras durante el juego, aunque han dejado un poco de lado la calidad te las texturas, algo que nos importa poco cuando lo que realmente nos atrae de este juego es su historia. Como nota negativa diría que, al igual que en la primera entrega, cuando nos miramos los pies aparecemos flotando.

En resumen, es un juego con una historia apasionante, que a pesar de ser muy lineal (aunque molaría que fuera mas abierto tipo Crysis) cumple al 200% nuestras expectativas y bajo mi punto de vista se podría codear con el mejor de su categoría.
Álvaro Casillas

Monday, 19 August 2013

Rompe Ralph!


Tras su estreno Rompe Ralph! pareció quedarse en un ni fu ni fá para muchos. Tal vez muchos esperaban un cúmulo de guiños a videojuegos actuales. Mucho más Call of Duty, mucho más Gears of War y mucho más Bioshock, cuando en realidad no es un escaparate de juegos de actualidad, sino más bien un recuerdo a grandes clásicos. Diversión en 8 bits. Y muchos, como ya he dicho esperaban mucho guiño a sus juegos favoritos de las grandes plataformas, cuando en realidad éstos son el guiño que la película se hace a sí misma. "¿Desde cuándo los Videojuegos son tan violentos?" se pregunta Ralph. ¡Es brillante!


Ojo amantes de la pose, Rompe Ralph! no es tampoco un listado de apariciones de personajes retro sin más. De hecho la definición de retro que da el propio Ralph encaja muy bien con el propio espíritu de la película. Veréis personajes en absoluta presencia, y a otros simplemente les sentiréis, pues sin verles están ahí. Hay detalles en ella realmente inteligentes. La película es más madura de lo que el envoltorio de gominola de Candy Rush puede aparentar. Candy Rush. Quiero hacer un punto y aparte en Candy Rush.

Sin duda el punto fuerte de la película es como crea un mundo para conseguir interconectar muchos mundos existentes haciendo de ello una idea tan bien hilada que resulta original en sí misma. Hasta el más mínimo detalle de los acontecimientos crea un efecto tan absolutamente lógico en el desarrollo tanto de la idea como de los sucesos que narra la película que la idea construida se hace absolutamente irrompible.
¿Por qué este punto de inflexión en Candy Rush?

Pues porque este mundo de colores pastel y enervantes habitantes extra-azucarados crea un parón en el ritmo de la película cuando la acción decide estancarse ahí. Es ahí cuando los espectadores más fans de lo gamer pueden desengancharse. Es ahí cuando la película parece que puede perder al espectador adulto. Porque cuando el guión decide establecer los sucesos en Candy Rush lo que a nosotros nos parece perder es la posibilidad de explorar el resto de desvíos de la estación central. Queremos saber más del mundo que nos han presentado. Nos dejan a medias.


Aún así, la película no está completamente perdida a partir de ese momento, pues las referencias a otros mundos, personajes y emblemas siguen manteniéndose. Quizás no tan frecuentes ni explícitas, pero entre la premisa Disney que se desarrolla en este mundo, nos irán cayendo pequeños regalos.
El problema es que tanto caramelo puede empalagar. Y hago uso de la metáfora, ya que no es el escenario el que empalaga, sino la historia, que eleva tanto el drama como la comedia a niveles diabéticos, y eso a muchos no puede satisfacerles las expectativas.

Sin embargo, los estudios no se pueden ni van a permitirse perder al espectador, osea que haciendo uso de todas las herramientas ya mencionadas nos mantendrán la emoción hasta el final. No temáis. Confiad. Os vale la pena.
Rompe Ralph!, de verdad es pura emoción, nostalgia, humor e ilusión. Otra joyita a las espaldas.

Lo mejor: El diseño del mundo videojuego. Para el recuerdo.
Lo peor: Que se atasque en Candy Rush y nos deje con ganas de más.

Nota: 8/10

Titus Bellés

Friday, 16 August 2013

Nueva tienda en Sevilla Nervión

¡Desde hoy tenemos una nueva tienda CeX en Sevilla!


¿Tenéis cosas que ya no queréis o no usáis? Móviles, películas, vídeojuegos, consolas, ordenadores... ¿Queréis renovar vuestro último cachibache electrónico y estar al día? ¡En CeX compramos, vendemos e intercambiamos vuestras cosas!

Nos vemos en nuestra nueva tienda en Sevilla en:
Avda. Luis de Morales, 32 (Edificio Fórum), enfrente del CC. Nervión Plaza.

Abrimos todos los días:
de lunes a sábado de 10 a 22h
domingos de 17 a 22h.

¡Os esperamos!



Wednesday, 14 August 2013

Mario & Luigi: Dream Team Bros (3DS)


¡Mario ha vuelto! Y esta vez, la primera en Nintendo 3DS, lo hace en una nueva aventura acompañado por su inseparable hermano Luigi, no en vano es el año de este y nos encontramos ante uno de los juegos que lo conmemoran.

Se trata del cuarto capítulo de la franquicia Mario & Luigi tras su debut hace ya diez años en Gameboy Advance y sus dos posteriores entregas para Nintendo DS, que gozaron en todos los casos de una excelente acogida tanto por parte de la crítica especializada como de los jugones. Así, los veteranos ya sabrán el disfrute que les espera, y los novatos, ¿A qué esperáis para haceros con esta nueva aventura de los bigotudos hermanos fontaneros?

El argumento nos traslada a Isla Almohada, un extraño y curioso lugar en donde el sueño es el protagonista, y en donde los almohadas, sus habitantes, quedaron petrificados por culpa del malvado Conde Pesadillo.


Mario deberá combatir contra sus malévolos planes y enemigos con la ayuda de Luigi y su alter ego dormilón, Luigi Soñador, que nos acompañará en las partes del juego en las que nuestro entrañable hombrecillo vestido de verde esté, digamos, echando una cabezadilla. Sin duda alguna lo más interesante de esta nueva entrega tanto en su original y divertida jugabilidad como en los espectaculares combates ante los colosos.

La propuesta de Mario & Luigi: Drem Team Bros es una aventura de rol tridimensional en la que deberemos combinar la exploración e interacción con los entornos y sus personajes, así como los combates por turnos que encontraremos durante su desarrollo, en los que utilizaremos todo tipo de movimientos, saltos, martillazos y ataques tándem que iremos adquiriendo y mejorando en nuestro avance.


Como siempre, todo el sentido del humor característico del sello Nintendo y un gran uso de la pantalla táctil, nos mantendrán enganchados durante horas y horas delante de nuestra portátil. Y por si todo esto fuera poco, podremos disfrutar de un maravilloso 3D que nos sumergirá aún más en el mundo de los sueños.
¡Cuidado no os durmáis y haceros con él!

Lluís GS

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Friday, 9 August 2013

El Vuelo


Robert Zemeckis es un tipo de lo más carácterístico.
Este excelente director, tras regalar a la historia del séptimo arte joyas como "Regreso al futuro" (1985) (y sus secuelas), "Forret Gump" (1994) , "Náufrago" (2000), o por qué no, "Tras el corazón verde" (1984), decidió un día apostar por la animación por captura de movimiento.

 
Y lo hizo de manera total, dedicando los últimos doce años de su vida y tres films a ese peculiar género cinematográfico. Para el que escribe estas líneas, de ese períplo tan solamente merece destacar "Beowulf" (2007) de todas ellas, siendo las otras dos obras muy olvidables, en parte por las limitaciones de esa particular técnica de animación, muy acartonada y falsa en éstos,  los tiempos de Pixar.

Pero hete aquí, que un buen dia, parece ser que el sr. Zemeckis vuelve a entrar en razón y a hacer caso a los miles (o millones) de seguidores que tiene su obra y decide volver al terreno que mejor maneja: la imagen real. Y para ello, vuelve con una historia dura y realista (olvídaos de cualquier concesión al fantástico), que es la que hoy nos ocupa titulada "El vuelo".

Whip Whittaker (un superlativo Denzel Washington), es un piloto de avión que ha sido abandonado por su ex mujer y su hijo debido a sus problemas con el alcohol y las drogas . Un día el avión que pilota sufre una avería en pleno vuelo y tras unas arriesgadas maniobras consigue, casi milagrosamente, aterrizar el avión consiguiendo que tan solo haya seis víctimas mortales de una total de ciento dos. Tras una primera investigación de los hechos, se descubre que Whittaker había excedido la tasa de alcohol permitida, dando lugar a una investigación más exhaustiva con el fin de depurar responsabilidades.


Zemeckis vuelve a demostrar por qué es uno de los grandes directores americanos de los últimos treinta años con una primera media hora deslumbrante (el desastre aéreo), en la que despliega todo su talento visual para narrarlo con vigor y una tensión impecable. La excelente actuación de Washington sustenta toda la película, un alegato sobre los peligros del alcoholismo y la pérdida de libertad que conlleva para la persona que lo sufre. Sin caer en el melodrama fácil, el film es una hábil retrato de un problema cotidiano, llevado en esta ocasión a un subgénero cinematográfico con tantas posibilidades  como es el cine de catástrofes.

Un excelente retorno de Zemeckis a un terreno que nunca debió abandonar. Zemeckis ha vuelto. Y eso es una excelente notícia para todos los que amamos el buen cine.

Chema Ponce

Tráiler

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¡Nueva tienda en... MÓSTOLES!

Esta mañana hemos abierto las puertas de la nueva tienda CeX, la número 25, ttttttrrrrrrr (redoble de tambores)..... ¡¡¡¡MÓSTOLES!!!!!


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Nos vemos en nuestra nueva tienda en Móstoles en:
Calle Honorio Ruibal, 4; en la Plaza del Pradillo, justo al lado de la parada de Metro Sur Pradillo (L12).

Abrimos todos los días:
de lunes a sábado: 10-22h
domingo: 12-21h.

¡Os esperamos!

 
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Thursday, 8 August 2013

MAMÁ de Guillermo del Toro

Guillermo del Toro presenta otro número 1 en la taquilla Americana.

El nacimiento del proyecto de Mamá es como poco curioso. El largo de Universal es en realidad un ensanchamiento de un cortometraje muy sencillo y a la vez totalmente Aterrador (podéis verlo aquí: http://www.youtube.com/watch?v=XFyzm4Sz22k ) que nos presentaba una idea realmente ambigua, de la que no se daba una resolución concreta. Y tal vez fue por eso que Del Toro se fijó en ella, pues permitía ampliar el mundo que Andrés Muschetti nos mostraba en el corto, que contaba de una sola secuencia. De hecho, estaba contado en un único plano secuencia.

Esta ambigüedad a la hora de contarnos lo que sucedía era (aparte de una Mamá creada con menor presupuesto pero mucho más efectiva) su gran punto a favor. El espectador se mantenía en tensión mediante el '¿Qué está pasando?'. En el caso del largo que ahora nos traemos entre manos, esto desaparece, cayendo a veces en el sobremasticado, entregándole al espectador la información demasiado procesada, lo cual puede atraer al tedio en lo que a la historia se refiere.Y ya que, evidentemente, el cuento de terror no podía estirarse hasta la hora y media por sí sólo, la trama que conduce la película termina siendo un drama familiar que flojea bastante. Algo que, además, hemos visto muchas veces.

De hecho, el principal problema de la película es que quiere ir demasiado lejos cuando se trata de una historia que no lo exige. El mismo personaje de Mamá cae en un sobretratamiento. Se exageran demasiado sus cualidades. Pasando por el enseñarla demasiado y demasiado pronto (Si lo más aterrador de tu película es tu personaje, dosifícalo, sino pierde el efecto) y el problema es que una vez la vemos en su totalidad, la Mamá creada por Hollywood no es la mitad de aterradora que la del corto original. Los movimientos rotos y exagerados que tan bien funcionaban en el original, están tan sobrexplotados como las escenas de terror que lo contienen, que nos suenan demasiado.Eso hace que el personaje pueda resultarle a muchos gracioso.
 
De todos modos, no todo van a ser pegas, pues hay puntos positivos en Mamá.  
Tratándose de una gran producción, y sobretodo de una película de consumo rápido y fácil, Muschietti ha sabido ambientarla de una forma muy acorde con lo que cuenta. El tono de fabula clásica del que dispone que refleja el punto de vista de las dos niñas centro de la historia es, sin duda, un punto a favor, así como la encargada de cuidar de ellas: Jessica Chastain. Su papél es tal vez el último en el que pensaríamos a la hora de otorgarle un rol basándonos en sus anteriores trabajos, y sin embargo, ahí está, dando la talla como entrañable chica mala, demostrando que su versatilidad interpretativa le cubre las espaldas.

Visualmente, y pese a que en general la digitalización la hace flojear un poco, nos hace entrega de momentos realmente interesantes. Mucho ojo a esos flashbacks sobrexpuestos o al momento puerta de la habitación. 

Desde luego Mamá no es una película para amantes y conocedores del genero de Terror, quien al fin y al cabo también la verán, al menos para poder opinar. Pero sí es una película para aquellos espectadores que busquen un producto de consumo rápido. Un mero entretenimiento, una evasión.

Y si algo hay que reconocerle a Mamá es que sea sincera en este aspecto, pues no hay más pretensión que esa.

Lo mejor: la ambientación de fábula.

Lo peor: Mamá.

Titus Bellés


Tuesday, 6 August 2013

Project X Zone


No soy mucho de crossovers ni spin-offs pero tenía la 3DS cogiendo polvo (lo último que he jugado ha sido Luigi´s Mansion) y me apetecía un RPG en portátil. Cuando ví por primera vez un tráiler sobre el juego en una web del TGS 2012, lo primero que pensé fue: “esto no nos llega..." pero al final lo hizo. Con la plantilla de personajes que tiene el juego y ser desarrollado por Monolith Studio (creadores de Xenoblade Chronicles entre otros) junto con Banpresto, era de casi obligado cumplimiento el probarlo.

Este crossover une a personajes de tres grandes compañías como son Capcom, Namco-Bandai y Sega.


Por parte de Capcom encontramos personajes de Resident Evil (Chris y Jill),  Devil May Cry (Dante), Street Fighter (Ken, Ryu y Chun Li), Darkstalkers (Dimitri, Morrigan y Hsien-Ko), Dead Rising (Frank West) y Megaman (X y Zero).

De Namco-Bandai podremos controlar personajes de Tales of Vesperia (Jury y Estellise), Tekken (Jin y Ling), Xenosaga (KOS-MOS y Te-Los), God Eater (Soma y Alisa), Endless Frontier (Haken y Kaguya) y Namco x Capcom (Reiji y Xiamu).

Por último, Sega extrae personajes de Valkyria Chronicles (Kurt y Riela), Sakura Wars (Ichiro, Sakura, Gemini y Erica), Virtua Fighter (akira y Pai), Shining Force (Toma y Cyrille) y Resonance of Fate (Zephyr y Leanne).

A esta plantilla, se le unen dos personajes nuevos como son Mii Kouryuuji (una estudiante de instituto con malas pulgas y una personalidad peculiar) y Kogoro Tenzai (un detective descendiente de un clan ninja y guardaespaldas de Mii). Los hechos ocurren después de los acontecimientos desarrollados en Namco X Capcom (juego de Ps2), aunque no es necesario haber jugado a éste para disfrutar de Project X Zone.

Al ponernos manos a la obra, nos encontramos con un SRPG (Strategic RPG) a la antigua usanza, como puede ser FF Tactics o Disgaea pero carece de algo que los anteriormente mencionados tenían: un buen guión. Está claro que este juego de 3DS es simplemente una excusa para introducir todo ese fanservice de personajes carismáticos de las tres compañías. ¿Cómo solucionar un guión que no tiene ni pies ni cabeza? Viajes entre dimensiones: la acción se desarrolla a través de universos basados en los juegos anteriormente mencionados.



En cuanto al gameplay, nos encontramos un juego de estrategia por turnos con unidades de personajes basados en los videojuegos de estas tres compañías. Todo el menú de acciones es bastante sencillo y accesible a todos aquellos iniciados en el mundo del SRPG (la curva de dificultad también es bastante ajustada). Lo espectacular y llamativo del juego es realmente el combate entre las unidades de nuestros personajes y los enemigos. Se puede elevar al enemigo en el aire, seguir combeándolo a base de armas o puñetazos, encadenar artes conjuntas… todo un espectáculo. Cuanto mayor sea la cadena de hits en el combo, el resultado será más llamativo y hará más daño a las tropas enemigas (como es de esperar). Dentro de la simplicidad del sistema de combate, es lo que realmente engancha a seguir echando horas al juego para encontrar el combo perfecto.

Gráficamente, el estilo cómic y detallado de los personajes resulta atractivo y llamativo. Animaciones suaves con los movimientos más característicos de nuestros héroes (ver a Ryu soltando Hadokens a la vez que Ken realiza un shoryuken en un juego de rol no tiene precio) llegando a tener hasta cinco personajes en pantalla repartiendo golpes sin parar.

En cuanto al apartado sonoro, la OST está compuesta de temas que aparecen en los juegos que componen este crossover. De agradecer es tener las voces en japonés pero una vez más, y como suele ser la tónica general del 90% de los RPG que llegan a nuestro territorio, viene con textos en inglés y no ha sido localizado a nuestro idioma (cosa que puede echar a muchos atrás a la hora de jugarlo).

A modo de conclusión, Project X Zone es un SRPG entretenido y de duración más que aceptable (alrededor de 40 misiones) pero que habría estado a la altura de grandes como Fire Emblem o Disgaea si el guión hubiese sido más elaborado y cuidado.

Nota: 6

Lo mejor: toda la plantilla de personajes de grandes juegos como Resident Evil, Tales of Vesperia, Valkyria Chronicles…. luchando codo con codo.
Lo peor: el guión.

Manuel Valero

Mira por cuánto compramos, vendemos e intercambiamos este juego en nuestra web

Friday, 2 August 2013

Fuse


Allá por el 2011 se rumoreaba que Insomniac (padres de Ratchet & Clanck, Resistance, etc.) estaban trabajando en un nuevo shooter para Ps3/360. La verdad es que me dejó un poco frío la noticia, ya que esta generación está plagada de FPS y TPS y necesitamos nuevas IPs orientadas hacia otros géneros.

Después de retrasos y no saber que pasaría con el proyecto, se presenta FUSE (antes llamado Overstrike) como un Third Person Shooter cooperativo para cuatro personas. Lo primero que se me vino a la cabeza fue “otro TPS clónico de GeOW más en el mercado y seguro que no innova nada en absoluto”. También pensé lo mismo con Binary Domain (el cual me gustó bastante aún habiendo pasado desapercibido para la prensa especializada en el sector), por lo que probaría FUSE antes de emitir un juicio anticipado.

Algo que esperaba desde el primer momento era que fuese alocado y desenfadado (con armas al más estilo R&C y con ese toque de humor) pero no fue así. Es un TPS a la antigua usanza, con sus coberturas,  sus armas futuristas y tres compañeros acompañándote en la misión.

Hasta ahí, encontramos un juego pasillero, de ir de un punto a otro matando a todo enemigo que nos encontremos en pantalla (como en el 95% de los TPS de esta generación), pero la posibilidad de cambiar entre los personajes durante la partida y la resolución de algunos puzles le dan ese toque personal al título.


Cada uno de los personajes del grupo está especializado en un tipo de armamento y tiene sus características específicas. Dalton es el líder del grupo y su especialidad es el fuego pesado (además del uso de un escudo magnético). Isabelle es la sanadora y puede usar proyectiles que dejan paralizado al enemigo durante un período de tiempo. Naya la especializada en el sigilo y el asesinato, con la capacidad de crear agujeros negros que absorben a los enemigos. Y, por último, Jacob es el francotirador y puede quemar a sus enemigos. A grandes rasgos, esas son las características principales de cada uno, pudiendo usar todo tipo de arsenal en combate.

En el aspecto jugable, los controles son sencillos y fáciles de asimilar desde el primer momento de la aventura. Quizás lo más interesante del título es la posibilidad de jugarlo en cooperativo a cuatro jugadores online (dos a pantalla partida en la misma consola) y que es bastante rejugable con la posibilidad de disfrutar de cuatro personajes totalmente diferentes en el estilo del juego y con sus subidas de nivel para desbloquear nuevas características y elementos. La IA deja bastante que desear, cuando en este tipo de juegos debería de ser lo más cuidado para que suponga un reto al jugador el avanzar por los escenarios.


Gráficamente, y en pleno 2013 con los resultados tan magníficos que hemos visto en otros juegos casi al final de esta generación de consolas,  deja bastante que desear. Quizás para 2011, fecha cuando se presentó el proyecto, sí podría ser más destacable pero es casi un delito imperdonable los dientes de sierra y lo “genérico” del título en el diseño de personajes y enemigos (cosa que parece imposible viniendo de Insomniac y su buen gusto en diseñar niveles y enemigos en R&C).

En modos de juego, encontramos la campaña principal y un modo “horda” al más puro estilo Gears of War. Quizás ese modo “horda” pueda alargar un poco más la vida del título pero no será un referente en los TPS ni será algo que se juegue durante años.

En conclusión, FUSE es un TPS del montón (quizás por la masificación del género que hemos tenido en esta generación de consolas), con algunos defectillos gráficos y con una historia pasable. La posibilidad de jugar la campaña en cooperativo puede que sea su mayor aliciente para la compra del mismo.

Nota: 6.5
Lo mejor: el cooperativo online a 4.
Lo peor: la IA.

Manuel Valero


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Thursday, 1 August 2013

¡Concurso de Carátulas de CeX!

Estamos haciendo una concurso de carátulas POR TODO EL MUNDO para dar un premio de ¡¡500$ en vale de CeX (equivalentes: 330£, 376€, 550AUD, 30300Rs.)!!

Para ganar: simplemente recrea o rehaz tu carátula favorita de un juego, una película, un disco... ¡lo que te apetezca!
Haz una foto o un dibujo y suplica-implora-soborna a tu familia y amigos para que te ayuden.

Aquí os dejamos algunos ejemplos:



Envia un email con tu propuesta indicando a qué juego, película, disco... haces referencia, tu nombre y tu país a competitions@webuy.com antes del jueves 8 de agosto a medianoche (GMT). Anunciaremos el ganador el viernes 9 de agosto de 2013.

Sé tan extravagante, creativo, loco y divertido como quieras (y regálate algo CeXy con el vale).

¡Mantente atento al Facebook de CeX!

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