Sunday, 29 September 2013

Una Bala En La Cabeza


Vaya por adelantado que para el que escribe estas líneas, Sylvester Stallone es ante todo un autor. Actor, director, guionista, productor, este cineasta siempre ha estado bastante alejado de todos los "actioners" con los que siempre han querido compararle como Schwarzenegger, Van Damme, Willis, etc y siempre se ha diferenciado de todos ellos puesto que su nivel de creatividad e ingenio en los proyectos en los que se ha involucrado ha sido mucho mayor y mejor del que han hecho gala el resto de los antes mencionados.

Haciendo un breve repaso a su carrera, nos encontramos con una singularidad respecto al resto de sus digamos, contrincantes. Y ésta es que al poco de comenzar su carrera en el año 1976 con la celebradísima "Rocky", Stallone podía presumir de algo de lo que no podían hacer la mayoría de cineastas por aquella época: ser nominado al Oscar por su doble faceta de actor/guionista, algo que en aquellos tiempos tan sólo habían conseguido, atención, Charles Chaplin y Orson Welles. Casi nada.


Además este cineasta de origen italiano tiene una filmografía de lo más interesante que todo aquel que quiera ver más allá de Rocky y Rambo (que incluyen las obras maestras "Rocky", "Rocky Balboa" y "El Acorralado") puede descubrir: desde el drama sindical "F.i.s.t", pasando por el thriller "Halcones de la noche" o la reivindicada "Evasión o victoria" , sin olvidarnos cómo no de dos de sus joyas (si, joyas) en las que ha intervenido: "Encerrado" y "Copland".

Tras una época, la de finales de los 90 y los 2000, en la que el cineasta cayó algo en el olvido debido a los cambios sufridos en la industria y como no, al de los gustos del público, Stallone volvió a dar en el clavo y a volver a ser notícia con dos obras: la antes mencionada "Rocky Balboa" y sobretodo gracias a la popularísima "Los mercenarios".

Fruto de este nuevo éxito, Stallone goza de una segunda (o tercera) juventud que le ha animado a emprender nuevos proyectos. El que hoy nos ocupa es "Una bala en la cabeza" adaptación de un cómic (o novela gráfica, que es como hoy en día lo llaman los que jamás leyeron cómics) del autor francés Matz.  Y se trata de un título que hay que celebrar puesto que junta a dos autores que (parece mentira) nunca habían coincidido en film alguno: el propio Stallone y el legendario director Walter Hill


Jimmy Bobo (Stallone) es un sicario que sufre el asesinato de un compañero a manos del implacable Keegan (Jason Momoa de la serie "Juego de tronos" o el nuevo "Conan"). Como era de esperar, Bobo (que aunque tenga este apellido no lo es) planea vengarse y para ello cuenta con la ayuda del policía de origen oriental Taylor Kwon (el actor Sung Kan para un papel inicialmente pensado para "El Castigador" Thomas Jane, lo cual habría ido en beneficio del film). A todo esto, nuestro protagonista deberá cuidar que su hija no salga mal parada en todo este embrollo.

Hay que reconocer que viniendo de dos nombres como los de Stallone y Hill, cabría esperar algo más del conjunto. Sin ser una mala cinta de acción, la sensación general es que viniendo del director de obras como "Límite: 48 horas" o "The Warriors", no nos encontramos ante nada que no hayamos visto con anterioridad, y a pesar de ser un film con algunos méritos (buen ritmo, bien montada, correctos F/X) es desde luego la presencia, el carisma y el buen hacer de Stallone quien realmente salva la papeleta. 

Por supuesto el estreno en Estados Unidos y el resto del mundo se saldó con un sonoro batacazo en taquilla. Una lástima. Esperamos que su nuevo film "Scape plan" (junto a Schwarzenegger) goze de una mayor fortuna. "Sly" se lo merece.


Chema Ponce


Saturday, 28 September 2013

Posesión Infernal (Evil Dead)


Fede Álvarez llamó la atención del mundo cinematográfico con sus cortometrajes, con un Ataque de Pánico que levantó el interés de la industria para realizar un largometraje partiendo de ese trabajo. El proyecto finalmente acabó, junto a Sam Raimi, en un remake de su Evil Dead, aplazando la idea inicial para su siguiente producción.

Así pues, esta Posesión Infernal no deja de ser en líneas generales la historia que parte del mismo punto de partida que la original, pero que debido a sus protagonistas y el tono del film, termina por convertirse en una película tan igual como diferente al mismo tiempo a la cinta de los ochenta.

Los tiempos cinematográficos han cambiado, y el género también, con lo que en esta ocasión nos encontraremos con una dirección mucho más académica, controlada, e incluso fría, a diferencia de la clásica en donde la cámara de Raimi se volvía por momentos totalmente loca con los frenéticos travellings marca de la casa del director y sus movimientos en ocasiones tan bruscos y nerviosos. Eso sí, se ha optado por un gran uso del maquillaje evitando el abuso de los efectos digitales, algo de agradecer, lo que le convierte en una película no apta para los estómagos más delicados.


Uno de los aspectos que levantó más polémica entre los seguidores de la saga fue la ausencia de la figura del mítico y carismático personaje Ash interpretado por Bruce Campbell. Un acierto ya que se podría haber caído en el error de encontrarnos ante un revival de la original sin su magia. Se ha preocupado por dotar a la historia de cierto dramatismo y motivación de los personajes de encontrar una razón por lo que seguir encerrados en la cabaña, o tomar ciertas decisiones.

La historia no nos lleva a cinco jóvenes con ganas de divertirse en una pequeña cabaña abandonada en medio del bosque, sino que nos presenta a unos personajes que intentan ayudar a una drogadicta a salir del pozo de su adicción, con la ayuda del hermano de la víctima, ausente en los últimos tiempos y en busca de una ocasión para resarcirse de los errores del pasado. Podrá gustar o no, pero por lo menos nos ofrecen una intención de distanciarse tanto de los tópicos del género en si, como de la película original, algo que es de agradecer y demuestra una valentía por parte de un equipo que no quiere ni pretende limitarse a copiar lo que ya hemos visto.

La víctima en ambos casos, original y remake, es el elemento aislado del grupo, siendo en el primero la chica sin pareja (hermana de Ash), y la toxicómana en el segundo, convirtiéndose ambas en las piezas centrales de la expansión de la posesión. 


Evil Dead es mucho más cruda, dura, violenta, sangrienta y explícita que la original, aunque sin su espíritu gamberro, consciente o no, y su falta de pretensiones, aunque es capaz de recoger lo mejor de la cinta de Raimi y el cine de terror actual para ofrecernos un lavado de cara que hará las delicias de la mayoría de los aficionados al género. 

Aquí la juventud de dejes post-hippie deja su lugar a una mucho más negativa, reflejo intencionado o no de una generación distinta a la de la sociedad americana de la época. Pero no son las únicas diferencias ya que hay muchas otras como un excelente prólogo en donde se nos explica la procedencia del mal y que marca el tono del film; el propio libro que ha sufrido un importante lavado de cara; y, sobretodo, un épico acto final que se encarga de dar un giro de 180 grados a la historia que conocemos, y que alcanza tales límites de brutalidad e intensidad visual que son muy de agradecer por lo poco habituales que resultan en este tipo de producciones que llegan al circuito de las salas comerciales.

Hora y media que pasa volando gracias a su notable sentido del ritmo y la estimulante dosis de sangre que nos ofrece. Una pequeña gran obra que llega con numerosos extras y en alta definición a nuestros salones. Imprescindible.

Lluís García Sola


Friday, 27 September 2013

Deadly Premonition: Director's Cut (PS3)


En esta generación de consolas, uno de los géneros más maltratados por la industria (hasta el punto de la casi extinción absoluta del mismo) es el survival horror

Pocas sagas siguen la estela de lo que era un survival horror de antaño. Un par de ejemplos puedo poner:  uno fue Siren: Blood Curse (exclusivo de Ps3, aunque era una nueva versión del ya conocido Forbidden Siren de Ps2) y Deadly Premonition (exclusivo para Xbox 360 en territorio PAL hasta ahora).

Con la reedición para Ps3 con una versión del director con contenido adicional, mejoras en la conducción de vehículos y contenido nuevo, me lancé a rejugar esta pequeña gran joya.

Deadly Premonition es de esos juegos a los que no se les presta atención porque gráficamente no destaca. Gráficos que están más cerca de Ps2/Xbox que de esta generación y un control bastante antiguo (quienes hayan jugado a la saga RE desde el principio sabrán a lo que me refiero) ensombrecieron lo que podría haber sido (aunque para muchos lo es) uno de los mejores juegos que se han visto en años (caso parecido le ocurrió a Nier).

La historia gira alrededor de unos asesinatos en un pequeño pueblo de los EEUU. Nuestro protagonista es un agente de FBI encargado de desvelar las incógnitas y resolver los crímenes. Una de las peculiaridades del personaje es que habla con su alter ego “Zach”, manteniendo conversaciones en todo momento consigo mismo lo que le da un aire aun más misterioso. Durante toda la historia personajes atípicos, situaciones totalmente bizarras y desconcertantes, conversaciones que se nos quedarán grabadas a fuego en la mente y giros totalmente inesperados harán que no soltemos el mando y quedemos totalmente enganchados hasta que lo terminemos por completo.


Gráficamente, no está todo lo cuidado que se merece. Esta reedición en Ps3 tampoco ha conseguido mejorar mucho el apartado técnico, pero no es excusa para dejarlo pasar sin prestarle la atención que se merece. En cuanto a los controles, nos encontramos con un survival horror con toques de sandbox. Los controles de personaje recordará a los antiguos resident evil. Es una lástima que juegos de esta generación pequen de esos pequeños fallos y pierdan parte del dinamismo.

La banda sonora es onírica como ella sola. Encaja perfectísimamente con la historia, con la estética y con el mundo que han creado.

Deadly Premonition no es un juego que de primeras llame la atención al verlo en la estantería de una tienda de videojuegos. Mi primera impresión al ponerlo en la consola fue directamente pensar en Twin Peaks del genial David Lynch. Para todos aquellos amantes de los survival horror, y que no tuviese la consola de Microsoft, debería de buscarlo y jugarlo porque seguro estoy que no le defraudará.


Nota: 8 (Le daría más pero las carencias que tiene sería pecado ponerle un 9).
Lo mejor: La historia, los personajes, la banda sonora… es un diamante, sin pulir, pero un diamante al fin y al cabo.
Lo peor: Los gráficos poco cuidados y los controles.

Manuel Valero


Thursday, 26 September 2013

Anna Karenina


Argumento

Anna Karenina (Keira Knightley) y Alexei Karenin (Jude Law) son un matrimonio influyente de la alta sociedad de San Petersburgo en el siglo XIX. Anna recibe una carta de su hermano Oblonsky (Matthew Macfadyen) quien le pide ayuda para salvar su matrimonio con Dolly (Kelly Macdonald). Durante su viaje a Moscú, Anna conoce a la condesa Vronsky (Olivia Williams) con quien entabla conversación y a la que su hijo, el oficial de caballería Vronsky (Aaron Taylor-Johnson), ha venido a recoger. Este es el punto de partida de esta película sobre Anna Karenina, la novela homónima de León Tolstói.

Crítica

Anna Karenina, del director Joe Wright, es una magnífica adaptación de este clásico de la literatura universal al cine. Son varias las versiones que ya se han hecho de esta obra pero, sin duda, esta es la más bella y original. A diferencia de las otras, aquí la acción transcurre en el escenario de un teatro. El espectador asiste a sincronizados cambios de decorado y tiene la sensación de encontrarse entre bambalinas, al tiempo que disfruta de un maravilloso espectáculo de excesos visuales de cuyos encuadres es difícil apartar la mirada.


Esta arriesgada propuesta lleva el sello de Joe Wright, quien ha demostrado en su quinto trabajo que es un director valiente, respetando el clásico original pero sin tener miedo a innovar. Ha sido ese respeto sin temor lo que le ha permitido crear, a través de una sugestiva y fascinante puesta en escena y una espectacular banda sonora (Dario Marianelli), su genuina versión de Anna Karenina, a solo un paso de ser magistral.

La bella Knightley demuestra, una vez más, que es la reina de los papeles de época y realiza una labor interpretativa realmente encomiable. Law está inmenso en el papel de Karenin, al igual que Macfadyen, quien construye el personaje de Oblonsky presentándolo como uno de los más humanos de toda la cinta, lleno de defectos pero también de virtudes.

La nota negativa en Anna Karenina es la falta de química cinematográfica entre los actores Keira Knightley y Aaron Taylor-Johnson, un error de casting que se paga muy caro porque consigue que el peso de la historia de amor principal se diluya y brille más el romance secundario de la película, el de los personajes Katerina «Kitty» (Alicia Vikander) y Konstantín Dimitrivich (Domhnall Gleeson).

Aun con sus defectos, Anna Karenina es una digna y elegante versión del clásico de Tolstói y una película de gran belleza que vale la pena ver.


Lo mejor: Su carácter teatral, los actores secundarios y los primeros minutos, que son sublimes.

Lo peor: La falta de química entre los protagonistas lleva al espectador a preguntarse por qué Anna Karenina dejaría al brillante Alexei Karenin por un, simplemente atractivo, Vronsky. En ocasiones se percibe una sensación de demasiado artificio escénico.

Valoración: 8,5/10

Amelia Cobos



Wednesday, 25 September 2013

Tales of Xillia


La tónica general del JRPG es que se quede en tierras niponas y nunca aterrice en tierras europeas (como mucho, desembarca en tierras americanas y gracias a la importación se puede disfrutar de estas joyas) y era el futuro de Tales of Xillia después de haber salido en Japón hace un par de años. Las bajas ventas de Tales of Graces F aventuraban que nos quedaríamos sin TOX pero Hideo Baba (responsable de la saga Tales of) daba unas declaraciones sobre la llegada de Tales of Xillia y encima con textos en castellano.

¿Pero, qué tiene de especial este Tales of Xillia  con respecto a los anteriores para que se tome la decisión de lanzarlo localizado a nuestro idioma? Quizás sea el aspecto más maduro de la saga (y técnicamente precioso).

Nada más iniciar la aventura, podremos seleccionar entre dos personajes: Milla Maxwell y Jude Mathis. Milla es solitaria y falta de sentimientos, especializada en ataques con espada y magia elemental. Jude es un estudiante de medicina al que le cambia la vida al conocer a Mila y se basa en ataques físicos y magia curativa. Recomiendo empezar con Jude para comprender la historia al 100% (habrá que darle dos pasadas al juego para ver cada una de las rutas de los personajes). Si vamos rápido, en unas 40 horas tenemos pasadas cada una de las rutas y haciendo todas las misiones secundarias, las dos rutas de los dos personajes y eventos el juego supera las 100 horas de juego.


Sobre la historia, y como suele pasar en todos los juegos de la saga Tales of, empieza lenta y hasta las 20/25 horas de juego parece que no termina de arrancar. Puede que para los jugones que no estén acostumbrados a los JRPG pueda desesperarles esto, pero una vez que arranca la historia no puedes dejar de jugarlo. ¿Porqué tarda tanto en comenzar la trama? Porque, como en todo RPG, el presentar a cada personaje, con su personalidad y motivaciones, y el establecimiento de las relaciones entre ellos en el grupo es la base del peso de la historia.

El sistema de juego es un mundo abierto por zonas, con una estructura similar (puerto de ciudad donde suelen estar las tiendas y posada, zonas de conexión y mazmorras propiamente dicho) en todas las ciudades principales lo que, para mi,  es el punto flojo del juego.


El sistema de batalla consiste en un sistema de puntos en los que se pueden usar ataques normales combinados con artes (hasta 8 podemos configurar con los dos joysticks analógicos) lo que hace que tengamos que estar pendientes tanto de los puntos de ataque que nos quedan como los que consume cada arte al usarla (similar el que ya se vio en Tales of Vesperia). Si a estos ataques individuales le añadimos artes combinadas con los personajes y ataques finales, la espectacularidad del combate está más que asegurada.


El aspecto sonoro cumple con las expectativas pero no está a la altura de otras grandes bandas sonoras de Tales of. Quizás el problema radique en las pocas pistas que tienen esta OST y la repetición de las mismas.

En conclusión, Tales of Xillia es un muy buen JRPG y una de las mejores opciones ahora mismo en cuanto al género (junto con Ni No Kuni). Juego largo y divertido aunque algo menos difícil que otras entregas anteriores.

Nota: 8,5
Lo mejor: El estilo artístico colorido, tanto en juego como en los videos anime.
Lo peor: La falta de diversidad en la estructura de las ciudades y mapeados.

Manuel Valero

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Tuesday, 24 September 2013

Naruto Shippuden: Ultimate Ninja Storm 3


Solo para fans.

Llega a nuestras manos la última entrega sobre el carismático ninja de la Villa Oculta de la Hoja, Uzumaki Naruto.

Naruto Ultimate Ninja Storm 3 es un juego largo, el más largo de la saga. Cuenta con 10 capítulos que poco a poco te irán contando lo que ocurre entre el ataque del líder de la Akatsuki, Pain, a la Villa Oculta de la Hoja, la guerra ninja contra Akatsuki y la batalla final de Naruto.

Aunque pueda parecer largo, a menos que seas un fan, este juego te va a aburrir, ya que el 80% del modo historia son animaciones que narran la aventura. La mayoría de batallas suceden muy rápido, algunas parecen hasta demasiado fáciles. En algunos momentos de la narración puede haber conversaciones de hasta diez minutos, donde, o te gusta Naruto o vas pasar las animaciones una tras otra, reduciendo el modo historia a un par de horas o ni eso.


Al modo historia le añadimos el típico combate libre con varios modos en su interior. Siempre he pensado que quitando los MK o los Tekken, hacer un juego de peleas sobre algo en concreto, como es este caso, es algo arriesgado. Una persona comprará este juego porque es fan de Naruto o en algún momento lo ha sido‚ no porque quiera jugar a un juego de lucha cualquiera, para eso hay juegos bastante mejores.

Entrando un poco en detalles sobre el modo combate libre, el juego cuenta con hasta 80 personajes entre los que elegir. Las luchas son bastante potentes y vistosas. Un gran trabajo en los gráficos imitando los dibujos.  Hay bastantes combos que hacer con cada uno de los personajes aparte de sus demás técnicas potentes, jutsu y jutsu final.

Respecto a la jugabilidad se ha hecho un gran trabajo ya que la mayoría de combos se hacen con el joystick izquierdo, círculo y triángulo. Puede resultar bastante fácil hacer los jutsus, aunque también evitarlos, por lo que tendremos que estar atentos a nuestra barra de chakra e intentar recargarla siempre que podamos.


Otra de las cosas a destacar de este juego son las impresionantes escenas QTE en las que tendremos que apretar los botones que nos digan en el preciso momento para golpear o evitar ser golpeados. Estas escenas se darán en los grandes enfrentamientos del modo historia y harán que disfrutes de ellas.

Destacar también las voces en japonés y los subtítulos en español que mantienen la esencia del manga y la graciosa voz de Naruto.

En fin, que si eres un fan de Naruto como yo, este juego te va a gustar y mucho. No se pueden sacar muchos errores graves de él. Pero por otro lado, si nunca te han caído muy bien estos ninjas aléjate y rápido de este juego, hay opciones mejores para jugar de vez en cuando a este género con los amigos.


Carlos Massó

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Monday, 23 September 2013

Los últimos días


Los hermanos Àlex y David Pastor ya hacía años que tienen en la mente rodar esta película, de hecho la idea surgió durante el desarrollo de su primer largometraje, Carriers (Infectados), en el cual, desde lo alto del edifico de Manhattan donde se encontraban editando su film, las vistas le sugirieron el concepto en el que gira alrededor Los Últimos Días.

¿Qué sucedería si realmente cada edificio fuera una isla rodeada por un océano inquebrantable? No cabe duda de la fascinación que los cineastas sienten por el género fantástico y las relaciones humanas, y nos encontramos de nuevo ante un gran ejemplo de ello. Si en su primera obra tuvieron que buscar el éxito lejos de nuestras tierras, en esta ocasión vuelve a su origen de nacimiento para contar una historia con la que todos los habitantes de Barcelona, especialmente, podremos sentirnos fácilmente identificados y situados, algo que la hará sentir muy nuestra. Pero no nos engañemos, nada de esto funcionaría sinó fuera por el talento y la calidad cinematográfica que ambos desprenden, conjuntamente con un gran equipo técnico, que ha hecho posible un largometraje de esta factura, raramente identificada con nuestro cine patrio, aunque por suerte, cada vez más frecuente en nuestras producciones.

Uno de los grandes atractivos de la película para el gran público se encuentra en su magnífico reparto: La pareja protagonista interpretada por Quim Gutiérrez y Marta Etura, el inesperado compañero de viaje José Coronado, y una secundaria Leticia Dolera.


 Marc, el personaje central de la trama, del que se encarga Gutiérrez, funciona bastante bien y su historia se nos va descubriendo poco a poco a base de flashbacks que nos llevan a comprender el por qué de sus actos. Un personaje dominado por el medio en el que convive, el trabajo, que le convierte en un ser mecánico con el que el espectador pueda implicarse. En el camino se topará con Enrique, José Coronado, que se convertirá en su inesperado compañero de viaje, un desconocido que quizás no lo sea tanto, en el que personalmente considero el mejor personaje de la trama aunque peque de algún que otro tópico del género, aunque Coronado vuelve a poner de manifiesto el gran actor que es. Y Marta Etura sigue tan emotiva y convincente como en ella es habitual.

La ambientación que son capaces de construir el equipo del film, con un notable trabajo en la dirección y en la fotografía del mismo, con la creación de imágenes que pasaran al recuerdo del cine fantástico nacional, con una Barcelona totalmente destruida y una sociedad atemorizada y encerrada, son sin duda lo mejor de toda la producción. Es obvio que bebe mucho de sus reconocibles referencias como pueden ser Hijos de los Hombres, Soy Leyenda o El Incidente de Shyamalan, algo que los directores no ocultan y que han sabido adaptar perfectamente a una ciudad que les es muy conocida y al reflejo de una sociedad actual dominada por el trabajo, la rutina, la tecnología y la escasa relación humana que nos aleja cada vez más de nuestra naturaleza. Además cuenta con secuencias impactantes como las exteriores que reflejan los resultados de la epidemia, los enfrentamientos subterráneos, y, especialmente, el de la lluvia y su utilización como recurso natural.


Los Últimos Días es una notable película, eso no lo pone nadie en duda, y es de agradecer el poder disfrutar de un film de estas características y factura hecho totalmente en casa, lo que nos permite como espectadores hacerlo muy nuestros. Probablemente el tipo de final del que hace gala no sea del gusto de todos, y que la epidemia quede tan en el aire tanto en su origen como en su explicación, en la línea de El Ángel Exterminador del gran Luis Buñuel, tampoco, ya que somos un público acostumbrado a que se nos explique el cómo y el por qué de todo, como en el reciente ejemplo de La Vida de Pi. Sea como sea, os aconsejo haceros con su versión doméstica para convertir vuestros salones en una experiencia post-apocalíptica patria y disfrutar de esta aventura en la pantalla del televisor con la mejor calidad de imagen y sonido y numerosos extras.

Lluís García Sola

Trailer Los últimos días

Sunday, 22 September 2013

Las ventajas de ser un marginado


Argumento

La historia nos sitúa en la década de los 90 donde Charlie (Logan Lerman), escribe una serie de cartas a un amigo. Charlie es un chico muy inteligente, introvertido y aspirante a escritor que se enfrenta a su primer día de instituto en Pittsburgh. Siendo un novato marginado conoce a Patrick (Ezra Miller) y Sam (Emma Watson), dos hermanastros mayores que él, en quienes encontrará a dos verdaderos amigos.

Crítica

Confieso que empecé a ver esta película sin demasiadas expectativas y con muchos prejuicios porque el título auguraba una historia simple y predecible, de esas en las que un chico inadaptado encuentra el input para crecer en la vida. Pero me equivoqué. Las ventajas de ser un marginado es mucho más que un drama adolescente. El título de esta película no le hace ningún favor a una pequeña joya, un drama muy bien orquestado, tan oscuro como optimista, que te atrapa con una historia contada con honestidad y mucha pasión.


La película está perfectamente adaptada del bestseller Las ventajas de ser un marginado (1999), por su propio autor Stephen Chbosky, siendo él mismo guionista y director de esta cinta, que ya ha recibido excelentes críticas. Quizá el hecho de que el autor se haya encargado de la adaptación es lo que ha conseguido la credibilidad y la fuerza con la que nos muestra a los personajes.

Con un interesante reparto, una buena historia y una exquisita selección musical, Las ventajas de ser un marginado no es una película aburrida ni predecible en ningún momento, no abusa de estereotipos e incluye una subtrama que involucra a la tía del personaje de Charlie (Melanie Lynskey) y que explicará finalmente los motivos de la complejidad emocional del adolescente.

Logan Lerman está estupendo como Charlie, Emma Watson ofrece una actuación impecable y dota a su personaje de una frescura e ingenuidad deliciosas, pero quien de verdad se come la pantalla con su gran actuación es Ezra Miller, a quien ya pudimos ver en Tenemos que hablar de Kevin (2011) y que está tan creíble como electrizante en el personaje de Patrick, papel que le ha merecido el premio a mejor actor secundario.


Lo mejor: Erza Miller, la música y unas cuantas frases memorables que pasarán a la historia.

Lo peor: Su título es su peor enemigo.

Valoración: 8,5/10

Amelia Cobos

Trailer Las ventajas de ser un marginado

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Saturday, 21 September 2013

Un plan perfecto


Argumento

Colin Firth es Harry Deane, un introvertido asesor de arte que trabaja para Lionel Shahbandar (Alan Rickman) un pendenciero multimillonario, aficionado al nudismo, que trata a Deane con sumo desprecio. Deane y su amigo Mayor (Tom Courtenay), experimentado falsificador, van a hacerle una suculenta propuesta a PJ Puznowski (Cameron Diaz), una texana experta en rodeo. Los tres forman parte de un complicado plan para hacer creer a Shahbandar que la pueblerina americana tiene en su casa —una vieja caravana donde vive con su madre— la obra «perdida» de Monet que el magnate lleva años buscando.

Crítica

Colin Firth y Cameron Diaz protagonizan Un plan perfecto, un remake adaptado muy libremente de Ladrona por amor (1966), bajo la dirección de Michael Hoffman (La última estación, 2009) y guionizada por Joel y Ethan Coen.

La película empieza mostrando al espectador una ejecución perfecta del plan trazado por Deane y Mayor, en el que aparece PJ, perfectamente vestida y haciendo gala de gran clase y distinción, ciñéndose al plan sin decir una sola palabra, mientras Shahbandar parece morder el anzuelo. Hasta ahí todo perfecto. Solo que el plan perfecto no existe y en ese momento comienza la verdadera historia plagada de enredos y giros inesperados que es Un plan perfecto.


Firth, con sus buenos modales a la inglesa, nos brinda momentos cómicos durante esta película; uno de los mejores en el lujoso hotel Savoy de Londres. Su papel de gentleman, que le va como anillo al dedo, es correcto en todo momento, ofreciendo gags de humor con naturalidad y, en ocasiones, alguna que otra carcajada.

Lo que se echa en falta es algo de química entre Colin Firth y Cameron Diaz, su compañera de reparto, quien ha protagonizado mejores papeles que este pero que, aun así, consigue hacer que su personaje funcione. Además, Diaz vuelve a cantar en esta ocasión como ya empieza a ser habitual en todas sus películas, desde aquel hilarante karaoke que nos regalara en la inolvidable película La boda de mi mejor amigo.

Para quienes como yo, cuando ven a Alan Rickman no logran quitarse de la cabeza al profesor Snape, una buena noticia: después de ver esta película vais a conseguir disociarlos. Con su fuerte personalidad Rickman borda el papel de excéntrico multimillonario obsesionado por el arte, aunque parece ser que solo por el arte que cuesta cantidades ingentes de dinero.

Stanley Tucci, quien últimamente no está muy acertado con sus personajes, interpreta a un alemán experto en arte; un breve papel que resulta demasiado exagerado y cargante.

Aunque lejos de ser un peliculón, Un plan perfecto es una comedia de consumo fácil, que consigue entretener y que, sin duda, nos deja una sensación agradable.


Lo mejor: Algunos disparatados momentos en los que se nota la esencia de los hermanos Coen en el guión.

Lo peor: La falta de química entre Diaz y Firth.

Valoración: 6,6/10

Amelia Cobos

Trailer Un plan perfecto

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Friday, 20 September 2013

El último desafío


Argumento

Ray Owens (Arnold Schwarzenegger) es el sheriff de Sommerton, un pequeño pueblo cercano a la frontera de México. El lugar es muy tranquilo hasta que Gabriel Cortez (Eduardo Noriega), jefe de uno de los cárteles más peligrosos del momento, se fuga durante su traslado en un convoy del FBI. El narcotraficante tiene todo organizado para llegar a México, pero para ello deberá cruzar el pueblo fronterizo de Sommerton, donde el sheriff Owens y sus ayudantes no se lo van a poner nada fácil.

Crítica

El último desafío es el regreso de Arnold Schwarzenegger al cine de acción comercial como protagonista, después de su aparición en Los Mercenarios y Los Mercenarios 2. La película está coprotagonizada por Eduardo Noriega y un buen plantel de secundarios y dirigida por Kim Ji-woon (Encontré al Diablo, El bueno, el malo, el loco).

Y bien, ¿qué hace un director surcoreano embarcándose en una «americanada» de acción, con un entrañable abuelete Schwarzenegger y un villano español que seguramente empezaba a afeitarse cuando Terminator ya repartía hostias como hogazas? Pues el Chuache Style.

De igual manera que el rapero surcoreano PSY convirtió el Gangnam Style, un tema aparentemente ridículo, en un fenómeno mundial, el director Kim Ji-woon ha sabido dar ese toque modesto y desenfadado, que prescinde del sentido del ridículo y que tan bien manejan los asiáticos. El resultado es una autoparodia que parece hecha a medida de Schwarzenegger y que, a diferencia de La Jungla: un buen día para morir, no tiene más objetivo que el de entretener mientras yayo Chuache demuestra que aún sabe pegar tiros.

La historia de El último desafío es floja, sí, pero ¿a quién le importa? ¡Chuache ha vuelto! y lo hace en una cinta con regustillo a cine western, coches que «vuelan» a toda velocidad, gags de humor negro bastante divertidos, arsenal de armas fetiche con nombres de mujer y buenos momentos de acción. ¿Se puede pedir más?

El homenaje al cine de vaqueros se percibe desde el principio, pero se hace patente en el duelo final y la batalla cuerpo a cuerpo, donde la ambientación y la música nos hablan del añorado lejano Oeste.

El último desafío es una película ágil, con un toque de ingenuidad, que ofrece acción mezclada con una interesante carga cómica y que, aunque no ofreciera nada de esto, valdría la pena ver solo por asistir al regreso de un más que entrañable Arnold Schwarzenegger.


Lo mejor: El Chuache Style.

Lo peor: Un Eduardo Noriega descafeinao y un doblaje al español de Noriega doblando a Noriega… de verdadero espanto.

Valoración: 7,8/10

Amelia Cobos

Trailer El último desafío

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Thursday, 19 September 2013

Parker


Argumento

Parker es una adaptación de Flashfire, una de las novelas más recientes de la serie de libros de Donald E. Westlake y comienza con el ladrón profesional Parker (Jason Statham) junto a cuatro compinches, realizando un robo en la feria de Ohio. Pero aunque logran salir airosos del robo y escapar, las cosas se tuercen cuando sus socios le traicionan y Parker, un ladrón con un código ético inquebrantable comienza a planear su venganza.

Crítica

Adaptar el material de un medio a otro nunca fue tarea fácil. Llevar una novela a la gran pantalla es quizá la transición más peligrosa de todas, porque el sentimiento de «el libro es mejor» suele ser algo común.

Parker es un personaje creado por el escritor Donald E. Westlake y sobre el que escribió nada menos que 24 novelas bajo el seudónimo de Richard Stark.

Algunas ideas sobre el personaje de Parker ya fueron llevadas a la pantalla en varias ocasiones, como es el caso de A quemarropa (1999) protagonizada por Mel Gibson. Sin embargo, esta es la única vez que los herederos de Westlake han dado autorización para utilizar el nombre del personaje, de hecho, al final del metraje encontramos la dedicatoria «en memoria de Donald E. Westlake».

La historia de la vida del delincuente empieza a ser contada mediante flashbacks donde nos encontramos a Claire (Emma Booth) que es la pareja de Parker y a la vez es hija de Hurley (Nick Nolte). Aquí empezamos a conocer mejor a Parker, un hombre de palabra, que nunca roba a los necesitados y que solo mata cuando no hay otra opción.




En este punto, lo visto parece un buen augurio de lo que será esta película, acción inteligente y una buena historia, aunque desgraciadamente empieza a decaer a partir de ahí. El declive total llega cuando aparece en escena Jennifer López, con una horrible interpretación del personaje Leslie Rodgers. La López, que realizó una buena actuación en Un romance muy peligroso (1998), no logra esta vez que su personaje funcione. Su interpretación es forzada, insegura, totalmente plana e incluso en los momentos en los que el guión requiere sensualidad (algo que se supone que a ella le sobra) lo percibimos de manera tan fingida que roza el ridículo.

Pero sería injusto echarle toda la culpa a JLo de arruinar una buena película, por eso, la responsabilidad debe ser compartida también entre McLaughlin y Hackford, que no parecen saber muy bien qué tipo de película están haciendo. Se centran tanto en la melodramática historia de Leslie, una divorciada intentando sobrevivir a sus problemas económicos, que no se dan cuenta de que, para quienes adoran a Statham y el cine de acción con violencia y diálogo inteligente, esto es puro veneno cinematográfico. En ocasiones te parece haber abandonado del todo la historia de Parker y estar sumergida en otra cosa, porque con tanto tropiezo y llegado a este punto, la propuesta ha agotado ya toda su buena voluntad.

Otro de los problemas de esta película es que tampoco acabamos de ver a Parker en Statham. Está estupendo, sí. Rebosa seguridad y da y recibe sin pestañear hasta el final de la película, también. Pero no es Parker, es Statham y aunque su condición es de por sí similar, Hackford no hace ningún intento por definir el carácter del personaje, que es lo que realmente los espectadores pagan por ver.

Afortunadamente, las primeras escenas de Parker son decentes y eso es lo único que evita que la película no sea un desastre total. López es terrible y pasamos demasiado tiempo con su personaje. Pero y ¿Nick Nolte? Su personaje pasa desapercibido.

En definitiva, Parker empieza fuerte y agoniza lentamente hasta que pides a gritos que se termine. Ordenada y mejor definida, esta película cabría perfectamente en 90 minutos.



Lo mejor
: La escena del apartamento, tensión y violencia que dejan al espectador petrificado durante unos segundos.

Lo peor: Jennifer López, la falta de humor en los diálogos y que se hace larga.

Valoración: 5,5/10

Amelia Cobos

Trailer Parker

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Wednesday, 18 September 2013

Oz, un mundo de fantasía



Argumento

Oscar Diggs (James Franco) es un prestidigitador egoísta y mujeriego que trabaja en un pequeño circo ambulante. Aunque lo que de verdad desea es ser un gran hombre, Oscar pasa los días engañando a la gente que acude a ver su espectáculo de magia. Al verse envuelto en un lío, el mago tiene que huir de Kansas a toda prisa, robando un globo de aire caliente con el que se escapa volando. El globo es absorbido por un tornado y vaga sin rumbo en su interior hasta que, finalmente, aterriza en Oz, un vibrante paisaje repleto de criaturas maravillosas donde la bella bruja Theodora (Mila Kunis) le dice a Oscar que todo el mundo en Oz esperaba su llegada.

Crítica

La tendencia de Hollywood es adaptar cuentos clásicos para niños y hacer películas donde los efectos especiales y la caracterización sustituyen a la imaginación.

Oz, un mundo de fantasía es, ante todo, un magnífico despliegue visual y una nueva mirada sobre una tierra que estamos muy acostumbrados a mirar gracias a los libros de L. Frank Baum. La película de Sam Raimi, quien ha respetado algunos aspectos de la historia original de Baum, precede a la clásica aventura de Dorothy para mostrar cómo el mago se convirtió en el salvador del mundo mágico de Oz.

El trailer sugiere que se le va a entregar al público una película con mucho color, extrañas criaturas animadas, un astuto mago y tres talentosas actrices (Mila Kunis, Rachel Weisz y Michelle Williams) en el papel de las brujas.


El principio de Oz, un mundo de fantasía merece una atención especial, pues empieza en blanco y negro, en formato 1.33:1 y no podemos evitar recordar a Judy Garland cuando aparece en pantalla la dulce Michelle Williams.

En mi opinión, al guión le faltan momentos graciosos que hagan más llevadera la parte central de la película, que es un poco aburrida. Suerte que tenemos a Finley, un mono volador que es uno de los personajes más entretenidos, junto con la deliciosa muñeca de porcelana que dice las mejores frases de la película.

James Franco lleva a cabo su papel de forma correcta, pero me da la sensación de que a veces le roba el peso de las escenas al resto de personajes, sobre todo al mono Finley.

Las imágenes generadas por ordenador en 3D son la tarjeta de visita de este bello espectáculo visual. Pero, desgraciadamente, que ocurra en un mundo mágico no significa que sea una película mágica y, a excepción del final que es emocionante y visualmente apasionante, la película nos muestra un mundo colorido pero, en ocasiones, falto de contenido.

Los derechos de El Mago de Oz, de 1939 corresponden a Warner Bros, por lo que Disney tiene que ir con mucho cuidado de no plagiar elementos característicos de la adaptación clásica en la secuela de Oz, un mundo de fantasía en la que ya están trabajando.

 
Lo mejor
: La muñeca de porcelana, el aterrador ejército de babuinos y el truco final.

Lo peor: Pasamos poco tiempo con los mejores personajes. Las actuaciones de las brujas, sobre todo la de Kunis, me parecen mejorables.

Valoración: 7/10

Amelia Cobos

Trailer Oz, un mundo de fantasía

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Tuesday, 17 September 2013

Jack, El Cazagigantes


Argumento

Jack (Nicholas Hoult) es un campesino que sueña con vivir aventuras y sabe de los míticos y violentos gigantes que viven por encima de las nubes, solo por los cuentos que su padre le contaba durante su infancia. Ya con dieciocho años, Jack vive con su tío. Un día visita la ciudad para vender un caballo y se topa por vez primera con la princesa Isabel (Eleanor Tomlinson) y un monje que le da unas semillas con instrucciones de guardarlas a buen recaudo porque: «pueden cambiar el mundo». Jack no cree lo que le dice el monje pero esa misma noche la princesa se presenta en su casa durante una gran una tormenta, una de las semillas germina y…

Crítica

Jack el Cazagigantes dista de ser la gran aventura que uno esperaría de una película con gigantes. Con Bryan Singer en la dirección, este magnífico reparto y la participación de McQuarrie en el guión, debería haber sido mucho más y, aunque hay momentos en los que casi llega, resulta que esos momentos son los más cómicos de la película, por lo que el mérito se lo deben llevar los actores, quienes consiguen hacer sombra a estos carísimos gigantes.

La película comienza con un pequeño Jack escuchando la historia mientras, paralelamente, a la princesa también se la cuenta su madre. Un detalle que destapa demasiado pronto que los protagonistas están destinados a encontrarse, convirtiendo el resto del metraje en una historia predecible y llena de clichés.


El principal problema de Jack el Cazagigantes es que no queda claro a qué público va dirigida: es demasiado cándida para la mayoría de los adultos y, aunque no hay sangre, es demasiado violenta para niños. Los momentos divertidos son pocos y muy distantes entre sí, dando lugar a un principio un tanto extraño.

No sé decir si el fallo es de doblaje o en la versión original también ocurre, pero durante los primeros minutos, al personaje de McGregor solo le faltan unas plumas de colores para ser una locaza con armadura… Afortunadamente más adelante nos devuelven a un apuesto, leal y varonil comandante del Rey, que no por ello deja de protagonizar divertidos momentos.

Los actores consiguen remontar después de un mal comienzo, pero inexplicablemente, una vez que los gigantes entran en escena (dirigida por Bill Nighy), el ritmo de la película se ralentiza. Parte del problema es el enfoque a la hora de recrear la acción porque cuando los gigantes llegan pisando fuerte, tirando árboles y comiendo cabezas humanas, el espectador lo vive sin demasiada de emoción.

Lo que me ha llamado la atención es que en el reino de los gigantes no hay mujeres, no sé si es que la orda de gigantes (bien guarros, por cierto) se reproduce como los Gremlins cuando se mojan o existe algún ejemplar de cigüeña gigante que se encarga de traerlos al mundo.

Jack el Cazagigantes es una película demasiado cara (200 millones de dólares) como para no brillar y quedarse en un discreto «entretenida». Sin embargo, la recomiendo y doy por bien empleado mi tiempo al haberla visto.


Lo mejor: El momento en el que entra en escena el primer gigante y el pelo a lo cepillo de Ewan McGregor.

Lo peor: Ritmo lento, cambios de tono torpes y una batalla que acaba demasiado pronto y a la que le falta un golpe de efecto.

Valoración: 6/10

Amelia Cobos

Trailer Jack el Cazagigantes

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Monday, 16 September 2013

Mascotas, bienvenidas a CeX!!!

Desde hace poco tiempo, estamos registrados en una página en la que se puede encontrar información sobre hoteles, restaurantes, comercios, etc a los que se puede acceder con mascotas.

Os dejamos el enlace a la web para que podáis ver los lugares de vuestra ciudad que aceptan mascotas.

http://www.mascotasbienvenidas.es

Y por si alguien no lo sabía hasta ahora, vuestras mascotas son más que bienvenidas a cualquiera de nuestras tiendas! Aquí tenéis algunos ejemplos!




Friday, 13 September 2013

New Super Luigi U


¿Tenéis WiiU? ¿Os gustó New Super Mario Bros U? ¡Pues estáis de enhorabuena!

La gran Nintendo acaba de estrenar otro de sus juegos protagonizados por Luigi para celebrar su aniversario. Nada menos que New Super Luigi U, un excelente juego que adapta la aventura del juego original protagonizado por su hermano a una nueva experiencia con 82 niveles más y las distintas habilidades de nuestro verdoso fontanero, y es que el bueno de Luigi salta más alto, corre a mayor velocidad y derrapa como nadie del universo Mario.

La mecánica del juego ya es de sobra conocida por todos. Hay que recorrer los niveles de la aventura recogiendo monedas y estrellas, y derrotando a nuestros enemigos y a espectaculares jefes finales con el fin de poder llegar a nuestro habitual destino.


La principal diferencia entre el juego que nos ocupa y su hermano mayor, New Super Mario Bros U, es que en esta ocasión cada una de las fases que recorremos tendrá una duración máxima de 100 segundos, lo que nos obligará a ir más rápido de lo habitual para completarlas, en un reto tan frenético como divertido.

Además, todos los extras e ítems de cada pantalla y la mayor dificultad de los enemigos, supondrá un desafío mucho más difícil de lo que parece, incluso hasta para los más experimentados del género.

Para complementar la gran experiencia que nos ofrecen con esta nueva aventura, New Super Luigi U nos permitirá partidas frenéticas y dinámicas para hasta 5 jugadores simultáneos, gracias a nuestro flamante GamePad de Wii U, toda una divertida locura que convierte a este sencillo pero deliciosamente adictivo título en un imprescindible para cualquier amante de los juegos de plataformas y los poseedores de la nueva consola de Nintendo.


Ya era hora de darle a nuestro bigotudo fontanero Luigi todo el protagonismo que merece. ¡Luigi time!

Lluis G.S.

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